Taller online

La Vocalía de Acuarelistas de Sevilla se adapta a los nuevos tiempos con su programa de Talleres Online. Iniciado en noviembre de 2020 como una alternativa vital ante la imposibilidad de celebrar encuentros presenciales durante la pandemia, este formato digital no solo cubrió una necesidad, sino que se consolidó como una herramienta fundamental de formación continua. Desde entonces, hemos mantenido nuestra cita con una periodicidad quincenal, asegurando que la enseñanza y el perfeccionamiento de la técnica de la acuarela permanezcan accesibles para todos nuestros socios.

Este espacio virtual trasciende las barreras geográficas, permitiendo que artistas de cualquier lugar puedan aprender y experimentar de la mano de acuarelistas avanzados de la Agrupación. Cada sesión está diseñada para explorar temas específicos, desde el manejo de la luz y la composición hasta el estudio profundo de las gamas cromáticas. Les invitamos a explorar nuestro archivo de videos y a seguir participando activamente en esta enriquecedora comunidad de aprendizaje en línea.

Este es el enlace a Nuestro Canal de YouTube

Taller online Play
Vídeo: #35. Fecha: 18/02/2026. Duración: 59:53. Instructor: Luis Lomelino.
Estudio y práctica

Sesión 7. La figura humana en la acuarela - III

En esta sesión del taller online nos enfrentaremos al reto de simplificar motivos arquitectónicos complejos en acuarela, utilizando un edificio en perspectiva oblicua para practicar la fuga a dos puntos. Además, profundizaremos en la integración de la figura humana, aprendiendo la regla fundamental para dimensionar correctamente a los personajes ubicándolos en la misma línea horizontal, logrando así una sensación de escala y profundidad espacial creíble. A través de un enfoque valiente y expresivo, el ejercicio nos invita a perder el miedo al dibujo rígido: pintaremos interpretando la alternancia de luces y sombras para generar volumen, utilizando "manchitas" sueltas de colores terciarios para los transeúntes y dejando que el agua difumine intencionadamente los elementos en la lejanía. El objetivo final no es realizar una copia fotográfica del modelo, sino conectar las figuras con el entorno mediante pinceladas decididas, logrando una pintura llena de atmósfera, unidad y fluidez.

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Vídeo: #34. Fecha: 04/02/2026. Duración: 47:15. Instructor: Luis Lomelino.
Estudio y práctica

Sesión 6. La figura humana en la acuarela - II

En esta sesión de nuestro taller online, exploramos cómo la figura humana es una herramienta esencial en la acuarela para aportar sensación de profundidad, espacio y para equilibrar la composición mediante el uso del color y los cambios de tamaño. A través de un enfoque centrado en la simplificación, aprenderemos a trabajar con "manchas atrevidas y valientes" en lugar de perdernos en el detalle de la forma. El video detalla estrategias prácticas como alinear las cabezas de los personajes a la misma altura para crear una perspectiva creíble, y el uso de la alternancia entre luces y sombras para dar coherencia espacial al entorno. Además, descubriremos técnicas muy expresivas, como dibujar previamente la silueta solo con agua para dejar que el pigmento fluya y se integre de manera natural, logrando así conectar las figuras con el paisaje circundante para crear unidad y dominar el verdadero lenguaje pictórico.

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Vídeo: #33. Fecha: 14/01/2026. Duración: 47:18. Instructor: Luis Lomelino.
Estudio y práctica

Sesión 5. La figura humana en la acuarela - 1

En esta sesión del taller online abordamos la figura humana en la acuarela como un elemento fundamental para aportar vida, movimiento y equilibrio a la composición de paisajes urbanos. A través de un método de simplificación anatómica que reduce el cuerpo a esquemas geométricos básicos, aprenderemos a dotar de naturalidad y estabilidad a nuestros personajes aplicando tres reglas esenciales: la relación de perspectiva entre hombros y cadera, la correcta curvatura de las piernas y la alineación vertical de la barbilla con el pie de apoyo. El objetivo es superar el miedo al error mediante la práctica de figuras sintetizadas o "manchas" que, aunque esquemáticas, mantengan una estructura lógica y se integren armónicamente en la obra desde el inicio.

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Vídeo: #32. Fecha: 11/12/2025. Duración: 1:10:10. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Sesión 4. Gama de grises por mezcla de complementarios

En este video se explica y practica la creación de una gama de grises mediante la mezcla de colores complementarios, una técnica esencial en la historia del arte para reducir la saturación y generar tonos terciarios o cuaternarios de gran belleza,. El instructor utiliza un círculo cromático de seis colores (basado en amarillo, cian y magenta) para identificar las parejas de complementarios y aplica estos conceptos en el pintado de un bodegón de cuatro vasijas, empleando específicamente una mezcla de verde botella y un tono rojizo cálido similar a la alizarina,,. Durante el proceso técnico, se destaca la importancia de fundir la figura con el fondo para ganar volumen y crear un espacio plástico profesional, el uso del agua para graduar valores y transparencias, y la necesidad de mantener un nivel de acabado uniforme en toda la acuarela en lugar de terminar los objetos por separado,,. Finalmente, la sesión vincula esta práctica con referentes históricos como Van Gogh y Géricault, ofreciendo además pautas sobre el dibujo simétrico de los objetos y la importancia de aplicar las pinceladas con una "caligrafía" o factura de calidad.

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Vídeo: #31. Fecha: 27/11/2025. Duración: 59:23. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Sesión 3. Gama cromática en función del tono, dos colores próximos

En esta sesión se enseña a crear una gama cromática utilizando dos colores próximos en el círculo cromático, específicamente azul (ultramarino o de Prusia) y violeta, con el fin de lograr una "vibración" y sensibilidad del color que supera a la de una simple escala monocromática,,. El instructor utiliza como ejercicio práctico el dibujo de un bote con hojas, enfatizando la importancia de la simetría en el dibujo inicial mediante el uso de ejes y formas geométricas básicas. Durante el proceso, se insta a los alumnos a alejarse de la mímesis o copia literal de la fotografía de referencia, priorizando la intención artística propia al decidir la ubicación de las luces y sombras,. Técnicamente, se destaca el manejo del agua para graduar valores, la integración de las sombras arrojadas y propias para generar volumen, y la necesidad de aplicar capas transparentes sin arrastrar el pigmento que ya está en el papel,,,. En conclusión, el video demuestra que con recursos mínimos —solo dos colores, agua y el blanco del papel— se puede obtener una gama impresionante y una obra con unidad y carácter profesional.

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Vídeo: #30. Fecha: 13/11/2025. Duración: 53:55. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Sesión 2. Ejercicio con una gama cromática Familia del bermellón Agrupación de Acuarelistas de Sevilla 205 suscriptores

En esta sesión se explica la creación de una "familia de colores" tomando como base un rojo anaranjado o bermellón, el cual se mezcla con verde esmeralda, violeta y azul cerúleo para obtener una gama armónica de grises y subtonos,,. Esta técnica, que prioriza la armonía visual sobre la mimesis o copia literal de la realidad (al estilo de las etapas azul o rosa de Picasso), se aplica en un ejercicio de bodegón con vasijas donde es fundamental el uso de ejes de simetría para el encaje inicial,,. Durante el proceso, el instructor destaca la importancia del "pasaje", permitiendo que los colores se fundan entre la figura y el fondo para que la obra funcione como un todo conectado y no como objetos aislados,. Finalmente, se recomienda trabajar con decisión y suavidad para mantener la transparencia de la acuarela, evitando arrastrar las capas inferiores y vinculando siempre las sombras propias con las arrojadas para construir el volumen.

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Vídeo: #29. Fecha: 30/10/2025. Duración: 41:12. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Sesión 1. Preparación de un papel de Acuarela, Estudio del color

Esta sesión teórica y práctica se centra en la preparación técnica del soporte y en los fundamentos de la armonía cromática para la acuarela. En la primera parte, el instructor explica cómo evitar que el papel se deforme mediante el estirado en tableros o bastidores, proceso que requiere mojar el papel —de algodón o celulosa— para que se expanda y fijarlo con grapas mientras está húmedo; de este modo, al secarse, recupera su tensión y queda liso como un "tambor". Posteriormente, se aborda el estudio del color, enfatizando la importancia de transitar del lenguaje fotográfico al pictórico a través de gamas cromáticas reducidas, las cuales permiten organizar visualmente las obras, especialmente en formatos grandes. El video diferencia también entre la mezcla aditiva y la sustractiva (pigmento), señalando que esta última siempre resulta en tonos menos luminosos. Finalmente, se detalla la creación de un círculo cromático de seis colores compuesto por primarios (amarillo, magenta y cian) y sus secundarios correspondientes, identificando las parejas de complementarios esenciales para lograr el equilibrio y la armonía en la pintura.

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Vídeo: #4. Fecha: . Duración: 48:40. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Gamas Cromáticas 4

El vídeo trata la práctica de gamas cromáticas basadas en el matiz, diferenciándolas de las gamas por valor o saturación. Se busca crear una gama por familias de color a partir de un color base, como el Azul Ultramar, mezclándolo con distintos tonos de la paleta para lograr armonía. Estas mezclas generan variados tonos, incluidos grises estéticos como el aterciopelado o el plateado. Para aplicar la gama en un paisaje, se trabaja con “húmedo sobre húmedo”, marcando oscuros y usando el color puro y sus mezclas para las primeras manchas, manteniendo la transparencia. Se evita la monotonía dejando que los elementos se integren con el fondo y usando colores más aguados y agrisados para sugerir lejanía y profundidad.

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Vídeo: #3. Fecha: . Duración: 51:28. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Gamas Cromáticas 3

El vídeo muestra cómo aplicar una gama cromática basada en Azul Ultramar, morado y ocre amarillo a un paisaje, obteniendo tonos azules y grises. Tras el dibujo inicial, se da una primera capa muy transparente y abundante en agua, usando el color base y sus mezclas para evitar monotonía y lograr buenas superposiciones. La pintura debe depositarse sin miedo a que las zonas se unan, manteniendo la transparencia y suavizando con agua. Cuando esta capa seca, se añade una segunda centrada en definir los grandes oscuros sin arrastrar la base, usando variaciones de la gama e incluso retirando luz con papel. En la fase final se añaden detalles, grafismos y pequeños toques con negro para insinuar elementos arquitectónicos.

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Vídeo: #2. Fecha: . Duración: 49:37. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Gamas Cromáticas 2

El vídeo aborda la segunda fase del estudio de gamas cromáticas, centrada en crear grises a partir del ocre amarillo y una mezcla de azul ultramar (o Prusia) con violeta. Variando las proporciones se obtienen grises y tierras especiales, con matices verdosos y cálidos. Esta gama limitada se aplica a una composición sencilla para integrar la figura en el espacio, usando el fondo para explicar la escena. La ejecución requiere mucha agua, empezando por los grandes oscuros y usando las penumbras para fundir objeto y fondo, evitando líneas duras y monotonía. En el acabado se definen formas con sombras y se añaden grafismos y detalles con negro para completar la descripción de los objetos.

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Vídeo: #1. Fecha: . Duración: 56:29. Instructor: Luis Lomelino.
Gama cromática

Gamas Cromáticas 1

Este vídeo ofrece una explicación teórica sobre tono, valor y saturación, y se centra en las gamas cromáticas como base de la armonía. El ejercicio principal es crear y aplicar una gama de grises mediante la mezcla de colores complementarios, en este caso Rojo Bermellón y Verde Azulado, obteniendo grises y tierras variados. La gama incluye ambos colores puros, sus grises y el uso de blanco y negro sin mezclarlos. En la aplicación a un bodegón se emplea mucha agua y el principio de figura clara y fondo oscuro para integrar la figura en el espacio, cuidando transiciones suaves y evitando monotonía. La técnica exige poner la pintura sin arrastrar, definir volumen con sombras y terminar con grafismos y toques saturados, incluido el negro para detalles finales.